“A localização, as pessoas… há algo verdadeiramente único aqui†, diz Inês, DJ local presente QUINTAL pela terceira vez. “A maioria dos festivais parece que agora todos estão tentando ser vistos ou provar algo. Aqui as pessoas realmente se soltam um pouco. É por isso que todo mundo continua voltando.”
A menos de uma hora de Lisboa, entre as vinhas e as pálidas paisagens das pedreiras de Azeitão, o festival desenrola-se pelas Montanhas de Areia Branca como algo meio descoberto, em vez de totalmente construído. A região há muito que carrega uma espécie de atração mítica na cultura portuguesa, com poetas e escritores que descrevem a vizinha Arrábida há décadas como um lugar onde a paisagem e a espiritualidade se confundem. O poeta português Sebastião da Gama descreveu uma vez as montanhas como um lugar onde “até o silêncio tem cor”, e ao chegar ao anoitecer com poeira pairando no ar e calcário brilhando sob o sol da tarde, é difícil não entender o que ele quis dizer.
Em vez de dominar essa paisagem, o YARD cresceu gradualmente em torno dela – cada edição expandindo-se cuidadosamente sem erodir a atmosfera que fazia o festival parecer especial em primeiro lugar. O que começou há quatro anos como um encontro electrónico relativamente boutique evoluiu para um dos festivais de destino mais envolventes da Europa sem perder a sua intimidade.
Agora estendido por quatro dias pela primeira vez, e comemorando seu primeiro ano com ingressos esgotados, o YARD 2026 entregou uma produção em grande escala com algo cada vez mais raro na cultura eletrônica moderna: equilíbrio. Relembrando a edição, a fundadora do festival, Susana, descreve-a como o momento em que “a nossa visão original realmente ganhou vida” – não apenas como um festival de música, mas como uma experiência completa que as pessoas carregam consigo muito depois do final do evento.
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Esse crescimento refletiu-se mais claramente na própria escalação. Jamie Jones, Seth Troxler e Chris Stussy liderou um projeto que parecia visivelmente mais internacional em escopo do que as edições anteriores, enquanto apresentações ao vivo de Bonobo, RYX e Monolink acrescentou mais profundidade além do programa focado nos clubes. Em outros lugares, artistas como Ahmed gira sentou-se ao lado de nomes emergentes de toda a Europa e de outros lugares, criando uma programação que se movia confortavelmente entre headliners estabelecidos e descobertas underground. Esse equilíbrio continua a ser central para a filosofia da YARD. “Algumas das memórias mais inesquecÃveis são criadas por artistas dos quais as pessoas nunca tinham ouvido falar antes de chegar ao YARD†, afirma Susana, que encara a apresentação de novos talentos ao público como uma das principais responsabilidades do festival.
O resultado foi um festival que já não se sentia apenas enraizado no panorama da música electrónica portuguesa, mas que se posicionava como um verdadeiro destino internacional capaz de atrair artistas e públicos de todo o circuito global. Essa evolução foi deliberada. Para além do cartaz em si, os organizadores têm construído cada vez mais a experiência em torno de pacotes de alojamento, gastronomia regional, provas de vinhos, experiências culturais e excursões concebidas para ligar os visitantes à região envolvente. Como explica Susana, a ambição sempre foi criar “um evento de lista de desejos” que trouxesse pessoas a Azeitão não só pela música, mas pela cultura, paisagem e comunidade que o rodeia.
No início da noite, a música já havia começado a movimentar as montanhas. Com sede em Paris DJ Amrita deu vida ao palco principal vestida inteiramente de preto, óculos escuros ainda fixados em seu rosto enquanto as temperaturas finalmente começavam a cair na pedreira. Uma presença constante na cena underground parisiense, cujos sets se baseiam igualmente em sons house, techno e club percussivos, ela trouxe uma confiança descontraída para a abertura. Jogando sinais de amor para a multidão enquanto faixas como “Tell Me Wagwan” de Loboski rolavam ao ar livre, seu set capturou o sentimento solto e comemorativo que definia o YARD – em algum lugar entre a sessão do pôr do sol e a rave em grande escala. Após seu show, ela compartilhou: “Foi minha primeira vez no YARD em algum lugar entre a areia e as montanhas. Obrigada a todos que estavam lá. Eu realmente me senti apoiada, e isso me deixa muito feliz em ver a música que eu amo ressoar em vocês”.
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Jamie Jonessem surpresa, inclinou-se ainda mais para o espetáculo. A certa altura, ele introduziu uma versão reformulada de “Wonderman” de Right Said Fred, de alguma forma transformando o irônico hino dos anos 90 em uma arma móvel de tecnologia. Mais tarde, ele lançou um retrabalho de “Funk Soul Brother” de Fatboy Slim, e a atmosfera entrou totalmente no território do horário de pico. Canhões de fumaça explodiram sobre a multidão, a pirotecnia iluminava as paredes da pedreira e as chamas tremeluziam nos penhascos acima; os fiandeiros atuaram como portadores informais da tocha durante a noite seguinte, transformando a vasta pedreira em um dos momentos mais abertamente cinematográficos do festival.
O YARD equilibra de forma inteligente os visuais das manchetes com períodos mais silenciosos de exploração em outras partes do site. Essa tensão entre espetáculo e descoberta permeia quase todas as partes do festival. A identidade visual não é construída em torno de um momento gigante no Instagram, mas em torno de centenas de pequenos detalhes escondidos nas montanhas. Olhos esculturais imponentes olhando das encostas. Esferas brilhantes gigantes emergindo da escuridão. Densos fios de discos brancos pendurados captam a luz solar final e transformam passagens comuns em túneis prateados cintilantes.
Um dos momentos mais estranhos do festival ocorreu dentro de uma instalação espelhada e brilhante situada entre as vias principais. Sob estruturas suspensas semelhantes a cristais e reflexos fraturados, os festivaleiros vagavam lentamente através da luz mutável, como personagens vagando por alguma versão adjacente à rave de Fear and Loathing in Las Vegas. Ninguém se apressou nisso. Metade da multidão parecia feliz apenas parada dentro da estranheza de tudo isso.
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Essa mesma energia ligeiramente psicodélica permeou muitas das obras de arte espalhadas pelas montanhas. Merchant of Chaos, de Salvador Iberico Noguiera, parecia quase o mascote não oficial do YARD – surreal, hipnótico e levemente enervante, seus membros esticados e seu rosto animalesco pairando acima da multidão como a manifestação física de um pensamento de recuperação às 4 da manhã. Porém, o mais importante é que nada disso jamais pareceu desconectado da música em si.
A integração deste ano dos acampamentos do Burning Man, Favela e Tierra Bomba, inevitavelmente provocou comparações com a mitologia do deserto de Nevada. No entanto, a identidade do YARD parece distinta tanto do Burning Man quanto da crescente onda de festivais que tomam emprestado sua linguagem visual. Em vez de perseguir o espetáculo pelo espetáculo, as instalações aqui pareciam enraizadas na própria paisagem, entrelaçadas naturalmente na pedreira, em vez de impostas a ela.
O Tierra Bomba, em particular, tornou-se um dos espaços definidores do fim de semana: mais suado, mais denso e mais íntimo do que as arenas principais. Escondido sob uma rede de dossel e estruturas de madeira áspera, o palco parecia algo entre um clube de praia, um sistema de som ao ar livre e uma vila temporária construída inteiramente em torno do ritmo e da atmosfera. Uma pequena frustração foi a dificuldade de entrar lá.
A colaboração em si marcou um dos desenvolvimentos criativos mais ambiciosos da YARD. Ao acolher os acampamentos Favela e Tierra Bomba do Burning Man no ecossistema do festival, os organizadores procuraram conectar o YARD com uma das comunidades criativas mais influentes do mundo. Susana descreve-o como trazer “um pouco da magia da Playa para Portugal”, ao mesmo tempo que introduz novas perspectivas artísticas e energia colaborativa na identidade em evolução do festival.
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Bonobo apresentou uma das combinações de artista e cenário mais perfeitamente combinadas do fim de semana. Às vezes, as White Sand Mountains lembravam genuinamente a obra de arte de “Migration” – vasta, cinematográfica e silenciosamente idílica, com rajadas de fogo cortando a escuridão ao redor do palco. Quando “Cirrus” chegou no meio do set, seus ritmos circulares e texturas que se desdobravam lentamente espelhavam a paisagem ao seu redor: expansiva, paciente, em constante mudança.
O desempenho do Monolink inclinou-se ainda mais para a atmosfera. Contra o pano de fundo ao ar livre, com camadas neutras de grandes dimensões e um chapéu de abas largas, ele projetou o tipo de presença discreta que parecia cada vez mais rara em festivais eletrônicos construídos em torno de grandes momentos de destaque. Nada no set parecia forçado.
À medida que “Light Up My Dark” passava pelas montanhas, as instalações que cercavam a multidão quase pareciam responder em sincronia. Discos pendurados brilhavam no alto, enquanto esculturas distantes tremeluziam suavemente nos bancos de areia além do palco. Mais tarde, durante outro refrão assustador sobre “sirenes piscando”, todo o local ficou brevemente suspenso entre a calma e a sobrecarga sensorial.
Ahmed Spins proporcionou um dos momentos mais marcantes do festival. Fresco de mais um verão inovador que o viu mover-se confortavelmente entre palcos tão variados como o EDC Las Vegas, o DC-10 em Ibiza e o circuito do Carnaval do Brasil, o DJ marroquino chegou com a confiança de um artista cujo perfil continua a acelerar. À medida que o pôr do sol se dissolvia na escuridão e os lenços balançavam em uníssono, sua trilha sonora melódica parecia combinar perfeitamente com o ambiente. Uma reformulação de “Sexy MF” de Prince atraiu uma das maiores reações da noite. Menos convincente foi uma edição de “Back to Life (However Do You Want Me)” do Soul II Soul, com seu tratamento vocal robótico levando a faixa um pouco além do necessário. Spins rapidamente seguiu em frente, estabelecendo-se em uma série de materiais inéditos e IDs que mantiveram a energia firmemente no caminho certo. Drones varreram o público enquanto toda a multidão parecia se mover sob eles.
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E talvez esse sentimento comunitário seja, em última análise, o que separa o YARD de tantos festivais que atualmente buscam o mesmo espaço estético. Apesar de atrair grandes artistas internacionais e milhares de participantes, o ambiente permaneceu notavelmente descontraído durante todo o fim de semana. As multidões se sentiram engajadas sem se tornarem agressivas. Mesmo durante os momentos mais movimentados, houve uma notável ausência da tensão que muitas vezes paira sobre os grandes festivais eletrônicos agora.
Parte disso se resume ao ritmo. YARD deixa espaço para respirar. Áreas de bem-estar, espaços de recuperação sombreados e recantos mais tranquilos deram ao fim de semana um ritmo emocional que vai além de simplesmente perseguir a próxima manchete. O recém-introduzido programa de domingo deste ano levou essa ideia ainda mais longe. Em vez de terminar com uma explosão final de excessos, o dia adicional concentrou-se em música ao vivo, palestras, atividades de bem-estar e experiências lideradas pela comunidade – menos afterparty, mais câmara de descompressão.
Para os organizadores, a intenção era criar algo “mais mágico, reflexivo e memorável”. Em vez de mandar as pessoas para casa exaustas, a ideia era criar espaço para que elas desacelerassem, recarregassem e absorvessem tudo o que vivenciaram nos dias anteriores. Parecia inteiramente de acordo com um festival cada vez mais interessado em como as pessoas saem e como chegam.
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É claro que a expansão para quatro dias ocasionalmente esticava a logística, especialmente em espaços mais apertados como o Tierra Bomba, onde se formavam gargalos durante os horários de pico. Mas estranhamente, essas imperfeições quase ajudam a preservar a identidade do festival. YARD ainda parece exploratório, em vez de superprojetado. Ainda não foi reduzido à previsibilidade.
E é isso que o torna atraente. Em um cenário de festivais cada vez mais dominado por uma estética amigável a algoritmos e experiências transacionais de luxo, o YARD ainda parece emocionalmente sincero. As instalações não existem apenas como oportunidades fotográficas. A multidão não se sente presa no modo de desempenho constante. As pessoas realmente parecem presentes.
Um destaque é quando você caminha no final da noite, com grupos ainda espalhados pelas montanhas sob instalações brilhantes, enquanto linhas de baixo distantes ecoam suavemente pelas paredes da pedreira. Ninguém parecia particularmente interessado em partir.
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YARD pode agora atrair atrações internacionais, multidões globais e uma produção cada vez mais ambiciosa, mas o seu maior sucesso reside noutro lado. Apesar das instalações, do espetáculo e das inevitáveis comparações com o Burning Man, nunca parece um festival projetado para as redes sociais. O meio ambiente continua sendo o personagem principal. Todo o resto simplesmente cresce em torno dele.
Talvez seja por isso que continua a ressoar. Enquanto outros festivais eletrónicos de primeira linha gastam a sua energia a tentar prever o que o público quer a seguir, o YARD ainda se sente guiado pela curiosidade – um festival construído por pessoas que permanecem tão investidas na descoberta como o próprio público.
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Palavras: Josh Crowe
