Há algo no ar nesta primavera quando se trata de expor moda. Em Londres, o V&A acolhe a primeira grande retrospectiva do trabalho da designer italiana Elsa Schiaparelli no Reino Unido, enquadrada em grande parte pela sua ligação e cumplicidade com a cena artística de vanguarda de meados do século XX. Na primeira segunda-feira de maio será inaugurada a “Arte de Fantasia” do Metropolitan Museum of Art’s Costume Institute, com um evento de gala com o tema “Moda é Arte”. E no Museu Calouste Gulbenkian, em Lisboa, uma nova exposição, com curadoria de Eloy Martínez de la Pera Celada e com o mesmo espírito, abriu as portas na semana passada.
Na capital portuguesa, o simplesmente intitulado “Art & Fashion”, toma como ponto de partida algumas das peças mais notáveis da coleção do museu, adquiridas pelo seu homónimo em vida, e posiciona-as ao lado de peças que vão desde um casaco peplumed de 1740 até um vestido de noiva bordado da estreia de Sarah Burton na Givenchy para a temporada outono-inverno 2025. O conceito da exposição também é simples: as fronteiras entre as disciplinas do design de moda e das artes plásticas são, essencialmente, discutíveis.
‘Art & Fashion’ at Lisbon’s Calouste Gulbenkian Museum
(Image credit: Calouste Gulbenkian Foundation)
O espetáculo abre com uma introdução ao próprio Calouste Gulbenkian, um dândi magnata arménio do petróleo com uma queda pela alfaiataria Savile Row sob medida e, pelo menos metaforicamente, com bolsos muito fundos. Seu apetite insaciável e voraz por coisas belas baseava-se nos princípios ruskianos: da beleza como um imperativo moral, algo que purifica, que nos torna melhores. É discutível se esta vasta coleção de belos objetos – cerca de 6.000 peças no total – foi suficiente para purificar um homem cuja riqueza foi construída na exploração das reservas de petróleo do Médio Oriente, mas o que é inquestionável é a qualidade do seu gosto. “Arte & Moda†é quase singular no seu alcance, porque tem ao seu alcance um conjunto inigualável de obras, desde o mundo antigo aos impressionistas. A oportunidade de posicionar um visual Lacroix A/W 1992 ao lado de uma pintura a óleo de Rembrandt é algo que poucas instituições podem facilmente aproveitar, e são exemplos como este que tornam a exposição particularmente impressionante.
Agrupado em grande parte pela proveniência regional das obras, o percurso expositivo é concebido para homenagear a forma como o museu costuma exibir a sua coleção permanente, que está temporariamente fechada ao público enquanto estão em andamento as obras de renovação do edifício brutalista construído para esse fim. Uma estátua funerária de ébano da região de Tebas, no Egito, representando um homem vestido com um shendyt e esculpida em algum momento entre 2.000 e 1.990 a.C., fica ao lado de um look masculino de Yohji Yamamoto com camisa de popeline e saia plissada de tafetá de lã. Três placas do século XIV pintadas em azul e branco encontram seu eco em um vestido Dries Van Noten sem mangas primorosamente bordado. Carpaccio’s Sagrada Família com Doadores (1505) está pendurada atrás de peças de Charles Frederick Worth, Mariano Fortuny e Balenciaga, que refletem as roupas usadas pelas quatro figuras centrais da pintura.
(Image credit: Calouste Gulbenkian Foundation)
Estes são alguns dos exemplos mais literais da influência da arte na moda, que são muitos, e são eles que conferem ao desfile os seus momentos mais alegres. É impossível não sorrir diante da comparação fofa entre o corpo espalhado de um cisne caçado em uma natureza morta de 1708 de Jan Weenix e o volumoso vestido de penas de ganso de 1960 de Manuel Pertegaz. Ou a cena da Virgem e do Menino reimaginada em óleos pelo pintor renascentista Jan Gossaert, e novamente em seda pintada à mão por Alexander McQueen para a Givenchy. Mas os seus melhores e mais instigantes momentos são quando as comparações vão além da estética para algo mais conceitual – mais particularmente na combinação da jaqueta Saharienne de Yves Saint Laurent de 1968 com várias obras dos impressionistas franceses. Ambas desafiadoramente transgressoras. Ambas mudaram radicalmente o curso da história em suas respectivas disciplinas.
A exposição apresenta um argumento convincente para tratar a moda e a arte como iguais, mas fá-lo em parte ao negligenciar propositadamente o estabelecimento de um livro de regras para o que se entende por moda e o que se entende por arte. Um é tratado em termos muito restritos, o outro em termos muito amplos. A moda é representada quase integralmente pelo pronto-a-vestir de luxo ou pela alta costura – Guo Pei, Romeo Gigli, Versace, Madame Grès, Alaía – com apenas uma pequena referência àquilo que poderíamos chamar de “moda popular”, sob a forma de um xaile com bordado tradicional de Nisa. Por outro lado, uma das primeiras peças de grande escala da coleção permanente em exposição é, apropriadamente, um guarda-roupa, um guarda-roupa incrível – atribuído a André-Charles Boulle por volta de 1700, e rico em marchetaria de tartaruga e bronze – mas mesmo assim um guarda-roupa. A moda é moda da mais alta forma, a arte não é apenas arte, mas aplicada e decorativa também – peças funcionais, artesanato, têxteis, móveis, conjunto de piquenique, porta-chapéus. Nessa lógica, toda beleza é arte.
(Image credit: Calouste Gulbenkian Foundation)
Uma declaração tão ousada é digna do próprio Ruskin. A exposição termina com outro dos seus discípulos: Edward Burne-Jones, cujo O Espelho de Vénus (1875) é novamente espelhado por uma série de vestidos neoclássicos drapeados pendurados em manequins numa composição semelhante a um friso. É um final deslumbrante e um argumento convincente para a defesa, num debate que sem dúvida continuará muito depois do fim desta série de exposições sobre o assunto em 2026.
‘Art & Fashion’ at Calouste Gulbenkian Museum runs until 21 June 2026.
www.gulbenkian.pt
